Maggio 2015
“SPIGHE SULLA PELLE. DEMETRA”.
TESTO CRITICO DI VALERIA TASSINARI (DIRETTRICE DEL MUSEO MAGI '900).
Il mito tatuato sulla spalla e la seduzione del mondo negli occhi, la giovane Demetra che Antonio Marino ha scelto di evocare in questa mostra - davvero sospesa tra pane e stelle - è una creatura nuova, che sfugge alla storia e entra nel presente, con lo sguardo assorto e la leggerezza sfiorata di una madre precoce, distratta dalle seduzioni del mondo. Prendendo spunto dal tema della Notte dei Musei 2015, l'autore ha scelto di richiamarsi al mito della Grande Madre, poi trasformata nel mondo greco-romano nella florida figura della divinità protettrice dei raccolti con i nomi di Demetra-Cerere, per reinterpretarne l'icona in una chiave figurativa contemporanea e vagamente glamour-pop, con quell'appeal un po' pubblicitario e un po' televisivo delle ragazze d'oggi. Ma cosa lega queste icone di donne poco più che ragazze all'imponente potenza mitica della grande Demetra che, per aver perso la bella figlia fanciulla (rapita in un raptus erotico dal signore delle tenebre) aveva vagato a lungo disperata, dimenticando di far germogliare la terra? Cosa resta in loro della terribilità di quella madre che, irriducibile nel lutto, pianse la lontananza della sua Kore, fino ottenerne la restituzione alla luce del sole, almeno per due stagioni all'anno?Cosa ci raccontano, queste nuove icone in posa fotografica, dell’ancestrale capacità di danzare sulla terra per risvegliare l'onnipotenza, nutriente e vitalistica, del mondo sotterraneo? Solo un gioco sottile, dice l'artista, di riferimenti simbolici, un omaggio a una favola antica, e il desiderio di offrirla alle giovani che ora inseguono la libertà per crescere altrove, come il lievito di cui, in uno di questi dipinti, la madre conserva solo l'incarto. Ma, forse, qui si nasconde qualcosa anche di più, un omaggio più critico e profondo all’idea di indipendenza, che proprio Demetra aveva riconosciuto all'uomo, donandogli la capacità di coltivarsi il cibo. Fu lei, infatti, che, dopo averlo temporaneamente amato come figlio sostitutivo, nel lasciarlo per tornare alla sua esistenza divina gli donò un carro tirato da draghi alati, con cui potesse percorrere il mondo seminando il grano per il sostentamento dei suoi simili. Iniziava così, all'alba del mito del giovane principe Trittolemo, la storia chi si alimenta di un pane che lui stesso produce: il destino dell'uomo libero, al quale il controllo del ciclo del grano si impone come misura ritmica del tempo, ma anche come pesante responsabilità di nutrire il pianeta. Intanto, mentre su questa terra senza miti e senza olimpica perfezione, ci chiediamo come fare a custodire quel dono immenso, ci piace comunque osservare la bellezza imperfetta e vera di una Demetra distratta che, per farsi più carina, si intreccia nei capelli una piccola spiga.
Valeria Tassinari
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| prima pagina del racconto scritto da Antonio Marino intitolato Naufragio all'alba. Un modo per entrare dentro l'opera "La zattera della Medusa" |
NAUFRAGIO ALL'ALBA
Silenzio. Era questo l’unico desiderio che rumoreggiava nella mente del professor Demetrio Brancusi mentre nel suo letto cercava di licenziare quella notte: discarica di pensieri nella quale gettò un ultimo sbuffo stizzito. Troppe parole confuse si erano rincorse nelle ore buie ed infinite. Scostandosi dal cuscino ebbe l’impressione di essere trattenuto per la fronte da una morsa che rendeva quel movimento laborioso ”Maledetto mal di testa”. Provò ad indovinare quanti minuti mancassero al suono della radiosveglia ”Avrebbe già dovuto suonare”. Percorse con la mente il tragitto che lo avrebbe portato alla doccia. Gli parve di sentire l’acqua scorrergli tiepida sul collo, la schiuma scivolare tra le gambe e poi giù per lo scarico. Gli sembrò d’aver già fatto tutto questo ma era ancora lì, nel suo letto. “Tra qualche secondo suona”. In quel momento un mix di versi di canzoni e strane idee, riesumati dalla notte insonne, si sovrapposero creando una sorta di corto circuito. ”Maledetto mal di testa. Basta! Meglio che mi alzi.” Ma la radiosveglia non suonò e Brancusi si addormentò.Sognò. Sognò i propri occhi proiettati sull’orizzonte: una linea retta dove il cielo cessava misteriosamente e quella fine partoriva chilometri di mare. Era sereno il cielo. Era fermo il mare. Non v’era una sola increspatura sulla quale un’ombra potesse infrangersi e macchiare quell’enorme campitura di blu. Una nuvola gigantesca, dal punto più alto dello scenario, danzava lenta ed ordinata verso la linea d’orizzonte, divenendo sempre più piccola, come se stesse tracciando una prospettiva e poi, all'improvviso, tutto cominciò a mutare.L’orizzonte, con un’accelerazione progressiva, risucchiò quella nuvola, poi un’altra e in un battito di ciglia deglutì tutta la pace di quel sogno. Grandi macchie nere, sospinte da un vento maligno, come una metastasi, ammalarono il paesaggio. Strisce d’ombra s’impadronirono del mare e la linea lontana che prima era pacifica, si gonfiò in maniera innaturale, riempiendosi di onde minacciose. Il professore strizzò le palpebre proprio mentre un effluvio già catalogato nella sua reminiscenza lo investì “E’ l’odore che sento in macelleria”. Corrucciò la fronte. “È sangue!” Il vento gremì velocemente quel sogno di altre presenze, di una sinistra inquietudine. ”C’è qualcuno”. Sentì la propria pelle ritrarsi come se gli fosse passata sopra una lingua di fuoco. “Brucio”. Avvertì la fragilità di alcune assi sotto le sue membra. Erano bagnate e su di esse stava ora gravando uno strano movimento. Non era la forza cadenzata delle onde, ma qualcosa di più disordinato. Capì che qualcosa le muoveva fino a renderle instabili. L’uomo sentì alcune tavole vicine a se sfaldarsi ed una mano gli sprofondò nell’acqua ”Caspita, è gelida!”. Le sue palpebre si fecero forza e si schiusero su tutte quelle sensazioni. ”Oddio! No!” Ciò che vide furono pareti d’acqua di un mare livido erigersi velocemente, pronti a crollargli addosso. Le pupille si dilatarono…”Cosa diavolo è tutto questo!”Alla sua sinistra un uomo sembrava urlare qualcosa. Brancusi cercò di intendere le sue parole ma la bocca dell’uomo sembrava la mimica di un film muto “Quel tizio urla alle onde”. L’uomo lo guardò per un istante, sembrò quasi chiamarlo a se, indicandogli qualcosa in acqua. Gridava e il professore lo scrutava incredulo. ”Cosa vuoi? Maledizione!” Si sentì in dovere di alzarsi e raggiungerlo ma il pavimento pericolante lo persuase a non muoversi. Si voltò lentamente verso destra dove un signore brizzolato sedeva sconsolato tra corpi privi di vita; ne teneva uno per un braccio mentre sottovoce ripeteva un’incomprensibile litania. Si sforzò di udire e nel suo unico grido disperato intese a chi potessero appartenere le membra che l'uomo non voleva cedere alle onde: Figlio mio!Figlio mio! A quel punto altre voci lamentose si unirono a quella ”Fame!Ho fame!Sete! Vi prego dell'acqua, qualcuno mi dia dell'acqua.” Poi, all’improvviso, tutto quell’orrore partorì una musica lontana. Una musica estranea che si sovrappose a quella follia. Dal cielo si avvicinarono sempre più le parole di una vecchia canzone dal ritmo crescente: LA NOTTE ERA CHIARA/LA STRADA ERA SICURA/FU FORSE CORAGGIO/O FORSE FU PAURA… Un gruppo di uomini si accalcava alle spalle dell’uomo che urlava alle onde creando una piramide umana. La musica sospingeva quel groviglio di gambe, di braccia, di sudore, di tremori, di occhi bramosi di speranza. FU FORSE CORAGGIO O FORSE FU PAURA… E la paura effettivamente crebbe ancor di più quando in fondo al gruppo un uomo crollò addosso ad un compagno e Brancusi ebbe la sensazione che gli stesse dando un morso su una natica. Fu a quel punto che gli divampò dentro un tale senso di inquietudine da mettersi le mani ai capelli e sbraitò con tutta la forza che aveva. L'uomo che urlava alle onde adesso si dimenava con più vigore. Finalmente la sua voce vinse il vento “Una nave! Coraggio amici facciamoci vedere. Coraggio, siamo salvi! Il professore si svegliò al suono della musica della sua radiosveglia che illuminava l’ora: 06.00. CORAGGIO O FORSE FU PAURA... Riconobbe la voce di Iva Zanicchi e sollevandosi rimase seduto qualche minuto sul ciglio del letto. Il ritornello della canzone continuava ad echeggiare nella sua stanza da letto: …FU FORSE CORAGGIO O FORSE FU PAURA… L’ultimo termine gli si fermò in gola qualche secondo. Deglutì .”La Zanicchi si è messa a fare la colonna sonora ai miei sogni...” Il volto chino, una mano tra i capelli. ”Paura…già!” Provò a rimuovere il breve sogno dai suoi ricordi. ”Cosa diamine era?” Guardò la propria immagine configurarsi slavata nello specchio che gli stava di fronte. Accese la luce e nel piegarsi verso il lume posto sul comodino vide il catalogo d'arte che aveva consultato la sera prima e che era rimasto imbrigliato tra le coperte. Un' intuizione lo portò ad aprirlo e cercare l'immagine dell'opera che più l'aveva colpito: La zattera della Medusa. Osservò la zattera, sulla quale l'artista del Romanticismo Géricault, aveva rappresentato i momenti precedenti al salvataggio dei pochi naufragi rimasti in vita rispetto ai centoquarantanove che su quella imbarcazione improvvisata avevano cercato la salvezza. I suoi occhi passarono in rassegna tutti i personaggi e gli elementi presenti nel quadro. Alzò le tapparelle della finestra per vederci meglio. La torre degli Asinelli, posta tra i tetti delle case di Bologna, lo fece definitivamente uscire dall'emotività che ancora lo ancorava a quell'incubo. Lo speaker della radio stava ora citando gli autori della canzone appena passata: i fratelli Camillo e Corrado Castellari. Brancusi si ricordò che entrambi erano di Bologna, altra coincidenza di quello strano risveglio. Avvicinò il catalogo alla finestra. Un ultima occhiata prima di voltare pagina. Le sue iridi si soffermarono su un uomo, seduto all'ombra di una vela. Aveva le mani tra i capelli e sbraitava disperazione.ARTICOLO SCRITTO DA ANTONIO MARINO, PUBBLICATO SULLA RIVISTA LETTERARIA "QUADERNI" IL 15 FEBBRAIO 2014,N.1/14
ANTONIO MARINO
Antonio Marino, quando il fare arte intreccia la passione dell’insegnare a saper vedere.
Antonio Marino nasce nel 1974 nella terra assolata e intrisa di poesia di una Reggio Calabria che accoglierà i suoi primi movimenti tra i fermenti dell’arte. Dopo il Liceo Artistico e l’Accademia di Belle Arti, dove si iscrive nel 1992, il giovane artista insegue i nuovi appassionati venti creativi che sussurrano futuri successi tuffandosi nell’incandescente fucina creativa di Bologna, matrice di sogni e ideali, amante ricca di suggestioni e inevitabili passioni.
Antonio completerà proprio all’ombra dei portici bolognesi il ciclo di studi, mentre Bologna dispiega il suo cuore generoso lasciando che il destino faccia capolino con una donna che oggi è diventata moglie e silenziosa ispiratrice di una vita all’insegna dell’arte.
Antonio Marino oggi lavora come artista e insegnante: dal 2009 collabora con la Galleria Bongiovanni di Bologna e, sulle orme di un sogno che risale all’infanzia, ogni giorno cede alla passione dell’insegnamento percorrendo aule dove insegna a giovani menti la meravigliosa capacità di un’arte che prima di tutto è sentimento da percepire, sguardo da allenare, passione da coltivare a piccoli passi.
Tra gli eventi nazionali è possibile segnalare le sue partecipazioni ad ARTE FIERA 2010 e 2011, alle ultime due edizioni della Giornata del Contemporaneo, organizzata dall’Associazione Musei d’Arte Contemporanea Italiani nonché presso la Fiera Internazionale della Lettura e Letteratura per ragazzi 2010 con la personale Scriptorium.
Le tele di Marino raccontano un intreccio che vive di ombre dorate e volti che scrutano l’osservatore, intensi e travolgenti: un’intrigante rebus di storie che si materializzano lasciando che la lettura si compia, con lentezza e meditazione. ‘Nei miei quadri vi sono alcuni elementi che con il tempo sono divenuti imprescindibili (..) Personaggi che mi piace pensare come attori teatrali che rivolgono uno sguardo alla storia (intesa soprattutto come ricchezza iconografica della storia dell’arte) ma con una gran voglia di raccontare il presente. Una serie di lavori li ho dedicati all’identità, dove si vedono uomini lottare con un drappo rosso simbolo di una seconda pelle o di una maschera che spesso gli uomini si costruiscono per essere accettati dal prossimo e che rischia di generare identità formattate, resettando l’individualità. Il copione non è interpretato solo da gesti, posture, mimiche facciali e dalla composizione strutturale del lavoro nel suo complesso: le parole sono sovente rintracciabili tra le trame della tela, rivestite dagli strati di pittura o dalla foglia d’oro’, racconta l’artista.
Come si coniugano il fare arte e la professione dell’insegnante?
Per tanto tempo ho vissuto esclusivamente dipingendo, tuttavia anche il fare arte può essere un’attività decisamente stressante: i compromessi diventano materia inevitabile, invece da l momento in cui ho avuto la possibilità di insegnare e lavorare con ragazzi oltre a uno stipendio fisso mi è stato possibile fare progetti ulteriori, godere di una maggior libertà oltre che di una fertile tensione creativa.
Né sposarsi, né fare un altro lavoro’ usava ripeteva un gallerista di Bologna, ma il problema è che se devi farti tramite del mondo diventa necessario vivere l’esistenza, in ogni suo momento e ruolo, altrimenti sarei simile a uno scrittore che parla della vita senza viverla. La quotidianità è fondamentale: se non la vivi come puoi raccontarla? Credo sia importante mettersi in gioco, svegliarsi presto, fare la spesa.
Alle scuole elementari avevo una maestra (a cui non ero particolarmente simpatico forse per i miei momenti di distrazione con il disegno) che un giorno assegnò il seguente compito alla classe: cosa farai da grande? Sapevo che da grande avrei fatto l’artista e l’insegnante di arte! Da quel momento il mio percorso di studi fu improntato al raggiungimento di quegli obiettivi. Certamente devo ammettere che tutto avrei immaginato tranne che le fantasticherie dello scolaro di ieri su un futuro troppo lontano potessero rispecchiarsi così fedelmente nel mio presente.
Bologna e Reggio Calabria: cosa ti lega a queste due realtà?
Mi trovo spesso a riflettere su quel cordone ombelicale lungo 1200 chilometri che mi tiene legato a due diverse città: Reggio Calabria e Bologna, diciotto anni passati nella prima, diciotto nella seconda. Entrambe rappresentano due luoghi che amo molto e a cui devo la mia formazione sia umana, sia professionale. Reggio Calabria è la città degli affetti familiari, oltre ad essere la città che ha segnato la mia prima formazione, il modo di rapportarmi agli altri e il terreno, talvolta accidentato, dove è nato il mio amore per l’arte, la mia prima collaborazione con una galleria d’arte. Bologna invece con le sue secolari tradizioni culturali ha saputo conquistarmi: è la città degli anni della mia vita di studente-artista fuori sede, la città dove ho cominciato a lavorare come insegnante, dove ho incontrato mia moglie e dove da qualche anno è iniziata la collaborazione con la Galleria Bongiovanni, con la quale si è creata una sintonia totale.
Nelle tue tele ho notato la presenza della lingua Braille: come è avvenuto questo incontro?
La scrittura interagisce con l’immagine. Ho scelto il Braille per vari interessi, innanzitutto l’arte in quanto enigma, in virtù di un’arte facile alla comprensione ma non scontata. Anni fa vedevo gente che durante manifestazioni come la Biennale dedicava non oltre due minuti a ciascuna opera: una fruizione troppo veloce, a una vetrina si fanno più domande. Per questo desideravo un senso che promanasse, che trapelasse intrecciando arte e scrittura ma senza che una svelasse i percorsi dell’altra. La scrittura non spiega mai il significato del quadro ma fa parte del significato stesso. Pittura e letteratura si contaminano reciprocamente, avvalorando o sovvertendo significati apparentemente di facile interpretazione.
In Italia, rispetto ad realtà europee, non sembra essere granché consolidata l’abitudine di portare i bambini al museo: cosa ne pensi?
Noi possediamo circa il 60% delle opere al mondo ed è da sottolineare che questa statistica risale a prima delle vicende di guerra connesse all’Iraq. Abbiamo un patrimonio inestimabile, eppure i nostri musei sono vuoti, una realtà certamente desolante.
Che cosa vorresti avessero imparato i ragazzi una volta riemersi dalle tue lezioni?
Non sono un fissato del contenuto: seguire il programma non mi basta. A me interessa trasmettere il seme della curiosità, della passione per l’arte. I ragazzi non entrano praticamente mai di loro spontanea volontà in una galleria d’arte moderna, per questo mi piace organizzare dei pomeriggi all’insegna di una mostra da visitare tutti insieme, scambiandosi opinioni e idee. Molti ragazzi hanno genitori che producono opere d’arte, per questo chiedo loro di portare i manufatti in classe: trascorriamo una lezione commentandone lo stile e i materiali. Questo vuole essere un modo per farli innamorare della materia d’arte: in seguito se ne approprieranno e non con il tuo standard, bensì il loro. Con freschezza, con l’originalità che è propria dei ragazzi.
Quale destino credi incontrerà l’arte?
L’arte seguirà il destino della società, come è sempre stato. Oggi viviamo in una società che si confronta molto con il passato, è amante del presente e sembra essere poco interessata al futuro. Oggi i performers danno vita a un’arte fortemente imperniata su un’emozione, che tuttavia finisce velocemente, senza lasciare traccia. Lo stesso nome Arte Contemporanea prefigura il destino di un fare arte che non cita ciò che sarà domani a differenza di fenomeni artistici come le Avanguardie, la cui nomenclatura faceva riferimento alla prima linea dei militari, in avanzata verso nuovi territori, denunciando la strenua voglia di proiettarsi nel futuro.
Arte e tecnologia: come pensi si sviluppi questo rapporto?
La tecnologia oggi non può non toccare l’arte. Pittori, scrittori, musicisti: la tecnologia entra in ogni linguaggio. In certi casi rischia di risultare una materia fredda, ma difficilmente non verrà utilizzata per produrre lavori. La questione importante è che non sostituisca il rapporto tra artista e opera: devo confessare che il rapporto tra ciò che si vede e chi l’ha realizzato costituisce la reale poesia dell’arte ed è ciò che ancora oggi mi emoziona e mi arricchisce.
Un sogno che non hai ancora realizzato e che ti piacerebbe costruire entro i prossimi cinque anni.
Nonostante le tante polemiche che ad ogni edizione la precedono, la accompagnano e la seguono, la Biennale di Venezia per un giovane artista rimane sempre un traguardo affascinante cui sperare di essere invitato e non come spettatore…
Se tu avessi 20 anni faresti la valigia verso...?
Intanto nella valigia vorrei mettere tutte le esperienze umane e lavorative maturate fino ad oggi, poi aggiungerei un cavalletto, qualche pennello, qualche tubetto di colore,il mio portatile, lascerei tanto spazio libero e partirei per una vacanza a tappe nella Firenze della fine del ‘400, nella Roma del ’600, nella Parigi del primo ‘900, nella New York degli anni ’50 e ’60 e a Bologna nel 2011 ma con ancora tanto spazio libero nella valigia…
Antonio completerà proprio all’ombra dei portici bolognesi il ciclo di studi, mentre Bologna dispiega il suo cuore generoso lasciando che il destino faccia capolino con una donna che oggi è diventata moglie e silenziosa ispiratrice di una vita all’insegna dell’arte.
Antonio Marino oggi lavora come artista e insegnante: dal 2009 collabora con la Galleria Bongiovanni di Bologna e, sulle orme di un sogno che risale all’infanzia, ogni giorno cede alla passione dell’insegnamento percorrendo aule dove insegna a giovani menti la meravigliosa capacità di un’arte che prima di tutto è sentimento da percepire, sguardo da allenare, passione da coltivare a piccoli passi.
Tra gli eventi nazionali è possibile segnalare le sue partecipazioni ad ARTE FIERA 2010 e 2011, alle ultime due edizioni della Giornata del Contemporaneo, organizzata dall’Associazione Musei d’Arte Contemporanea Italiani nonché presso la Fiera Internazionale della Lettura e Letteratura per ragazzi 2010 con la personale Scriptorium.
Le tele di Marino raccontano un intreccio che vive di ombre dorate e volti che scrutano l’osservatore, intensi e travolgenti: un’intrigante rebus di storie che si materializzano lasciando che la lettura si compia, con lentezza e meditazione. ‘Nei miei quadri vi sono alcuni elementi che con il tempo sono divenuti imprescindibili (..) Personaggi che mi piace pensare come attori teatrali che rivolgono uno sguardo alla storia (intesa soprattutto come ricchezza iconografica della storia dell’arte) ma con una gran voglia di raccontare il presente. Una serie di lavori li ho dedicati all’identità, dove si vedono uomini lottare con un drappo rosso simbolo di una seconda pelle o di una maschera che spesso gli uomini si costruiscono per essere accettati dal prossimo e che rischia di generare identità formattate, resettando l’individualità. Il copione non è interpretato solo da gesti, posture, mimiche facciali e dalla composizione strutturale del lavoro nel suo complesso: le parole sono sovente rintracciabili tra le trame della tela, rivestite dagli strati di pittura o dalla foglia d’oro’, racconta l’artista.
Come si coniugano il fare arte e la professione dell’insegnante?
Per tanto tempo ho vissuto esclusivamente dipingendo, tuttavia anche il fare arte può essere un’attività decisamente stressante: i compromessi diventano materia inevitabile, invece da l momento in cui ho avuto la possibilità di insegnare e lavorare con ragazzi oltre a uno stipendio fisso mi è stato possibile fare progetti ulteriori, godere di una maggior libertà oltre che di una fertile tensione creativa.
Né sposarsi, né fare un altro lavoro’ usava ripeteva un gallerista di Bologna, ma il problema è che se devi farti tramite del mondo diventa necessario vivere l’esistenza, in ogni suo momento e ruolo, altrimenti sarei simile a uno scrittore che parla della vita senza viverla. La quotidianità è fondamentale: se non la vivi come puoi raccontarla? Credo sia importante mettersi in gioco, svegliarsi presto, fare la spesa.
Alle scuole elementari avevo una maestra (a cui non ero particolarmente simpatico forse per i miei momenti di distrazione con il disegno) che un giorno assegnò il seguente compito alla classe: cosa farai da grande? Sapevo che da grande avrei fatto l’artista e l’insegnante di arte! Da quel momento il mio percorso di studi fu improntato al raggiungimento di quegli obiettivi. Certamente devo ammettere che tutto avrei immaginato tranne che le fantasticherie dello scolaro di ieri su un futuro troppo lontano potessero rispecchiarsi così fedelmente nel mio presente.
Bologna e Reggio Calabria: cosa ti lega a queste due realtà?
Mi trovo spesso a riflettere su quel cordone ombelicale lungo 1200 chilometri che mi tiene legato a due diverse città: Reggio Calabria e Bologna, diciotto anni passati nella prima, diciotto nella seconda. Entrambe rappresentano due luoghi che amo molto e a cui devo la mia formazione sia umana, sia professionale. Reggio Calabria è la città degli affetti familiari, oltre ad essere la città che ha segnato la mia prima formazione, il modo di rapportarmi agli altri e il terreno, talvolta accidentato, dove è nato il mio amore per l’arte, la mia prima collaborazione con una galleria d’arte. Bologna invece con le sue secolari tradizioni culturali ha saputo conquistarmi: è la città degli anni della mia vita di studente-artista fuori sede, la città dove ho cominciato a lavorare come insegnante, dove ho incontrato mia moglie e dove da qualche anno è iniziata la collaborazione con la Galleria Bongiovanni, con la quale si è creata una sintonia totale.
Nelle tue tele ho notato la presenza della lingua Braille: come è avvenuto questo incontro?
La scrittura interagisce con l’immagine. Ho scelto il Braille per vari interessi, innanzitutto l’arte in quanto enigma, in virtù di un’arte facile alla comprensione ma non scontata. Anni fa vedevo gente che durante manifestazioni come la Biennale dedicava non oltre due minuti a ciascuna opera: una fruizione troppo veloce, a una vetrina si fanno più domande. Per questo desideravo un senso che promanasse, che trapelasse intrecciando arte e scrittura ma senza che una svelasse i percorsi dell’altra. La scrittura non spiega mai il significato del quadro ma fa parte del significato stesso. Pittura e letteratura si contaminano reciprocamente, avvalorando o sovvertendo significati apparentemente di facile interpretazione.
In Italia, rispetto ad realtà europee, non sembra essere granché consolidata l’abitudine di portare i bambini al museo: cosa ne pensi?
Noi possediamo circa il 60% delle opere al mondo ed è da sottolineare che questa statistica risale a prima delle vicende di guerra connesse all’Iraq. Abbiamo un patrimonio inestimabile, eppure i nostri musei sono vuoti, una realtà certamente desolante.
Che cosa vorresti avessero imparato i ragazzi una volta riemersi dalle tue lezioni?
Non sono un fissato del contenuto: seguire il programma non mi basta. A me interessa trasmettere il seme della curiosità, della passione per l’arte. I ragazzi non entrano praticamente mai di loro spontanea volontà in una galleria d’arte moderna, per questo mi piace organizzare dei pomeriggi all’insegna di una mostra da visitare tutti insieme, scambiandosi opinioni e idee. Molti ragazzi hanno genitori che producono opere d’arte, per questo chiedo loro di portare i manufatti in classe: trascorriamo una lezione commentandone lo stile e i materiali. Questo vuole essere un modo per farli innamorare della materia d’arte: in seguito se ne approprieranno e non con il tuo standard, bensì il loro. Con freschezza, con l’originalità che è propria dei ragazzi.
Quale destino credi incontrerà l’arte?
L’arte seguirà il destino della società, come è sempre stato. Oggi viviamo in una società che si confronta molto con il passato, è amante del presente e sembra essere poco interessata al futuro. Oggi i performers danno vita a un’arte fortemente imperniata su un’emozione, che tuttavia finisce velocemente, senza lasciare traccia. Lo stesso nome Arte Contemporanea prefigura il destino di un fare arte che non cita ciò che sarà domani a differenza di fenomeni artistici come le Avanguardie, la cui nomenclatura faceva riferimento alla prima linea dei militari, in avanzata verso nuovi territori, denunciando la strenua voglia di proiettarsi nel futuro.
Arte e tecnologia: come pensi si sviluppi questo rapporto?
La tecnologia oggi non può non toccare l’arte. Pittori, scrittori, musicisti: la tecnologia entra in ogni linguaggio. In certi casi rischia di risultare una materia fredda, ma difficilmente non verrà utilizzata per produrre lavori. La questione importante è che non sostituisca il rapporto tra artista e opera: devo confessare che il rapporto tra ciò che si vede e chi l’ha realizzato costituisce la reale poesia dell’arte ed è ciò che ancora oggi mi emoziona e mi arricchisce.
Un sogno che non hai ancora realizzato e che ti piacerebbe costruire entro i prossimi cinque anni.
Nonostante le tante polemiche che ad ogni edizione la precedono, la accompagnano e la seguono, la Biennale di Venezia per un giovane artista rimane sempre un traguardo affascinante cui sperare di essere invitato e non come spettatore…
Se tu avessi 20 anni faresti la valigia verso...?
Intanto nella valigia vorrei mettere tutte le esperienze umane e lavorative maturate fino ad oggi, poi aggiungerei un cavalletto, qualche pennello, qualche tubetto di colore,il mio portatile, lascerei tanto spazio libero e partirei per una vacanza a tappe nella Firenze della fine del ‘400, nella Roma del ’600, nella Parigi del primo ‘900, nella New York degli anni ’50 e ’60 e a Bologna nel 2011 ma con ancora tanto spazio libero nella valigia…
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E' vietato riprodurre anche piccole parti dell'intervista senza l'autorizzazione scritta dell'Editore.
Intervista: Maddalena De BernardiSoggetto: Antonio MarinoLuogo: Bologna
Foto: Filippo Lenzi
Web: www.marinopictor.com
Foto: Filippo Lenzi
Web: www.marinopictor.com
| IN ALTO: INTERVISTA PUBBLICATA SULLA RIVISTA "ANDY" |
